Galería Macchina

Galeria Macchina

Islas Nuevas

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Islas Nuevas es una muestra de trabajos en cine y video de artistas contemporáneos internacionales, en exhibición del 3 de mayo al 28 de junio de 2016 en Galería Macchina, Campus Oriente UC. La muestra consta de dos programas de exhibición de alrededor de dos horas de duración cada uno e incluye el trabajo de Emma Hedditch, Redmond Entwistle, Claudia del Fierro, Cecilia Vicuña, CassandraGuan, Adelita Husni-Bey, Daniel Jacoby, Alex Martinis Roe, KatarinaZdjelar, PaulineBoudry&Renate Lorenz, Buenos Tiempos, Int. ySophieNys en colaboración con Arto Lindsay. Islas Nuevas es el resultado de una investigación colaborativa entre TanjaBaudoin y Maricruz Alarcón, quienes introducirán el proyecto y los filmes el día martes 3 de mayo a las 18:30 horas. En el marco de la exhibición se realizaráun workshop conducido por las curadoras y la artista invitada CassandraGuan.

Cada una de las obras presentadas en el programa constituye una aproximación particular a la idea de tiempo, tanto en su contenido como en su construcción formal. El ciclo agrupa obras que rescatan temporalidades dispares, subjetivas, excluidas por los regímenes económicos y culturales; obras que imaginan futuros fallidos y pasados alternos; obras que observan el ocaso de monumentos y arquitecturas modernistas en las ciudades contemporáneas; obras que releen, intergeneracional y colectivamente, documentos históricos y procesos políticos. Inspirándose en la lectura que la teórica y cineasta vietnamita Trinh T. Minh-ha hace del concepto de intervalo cinematográfico,Islas Nuevas reúne filmes que problematizan las formas en que las sociedades occidentales han pensado el tiempo como una estructura homogénea, progresiva y lineal. No existe ya una única utopía, una sola historia, una doctrina singular que pueda sostenernos; pero un archipiélago, una red o una constelación de centros discontinuos que están descentrados internamente entre sí. A través de interrupciones, proyecciones, transiciones; a través de suspensiones, lapsos y estremecimientos espontáneos, estos filmes relatan y evocan un estado de conciencia en el cual futuros fallidos o pasados posibles son observados a través del prisma del momento presente. La instancia de proyectar imágenes en movimiento es una invitación a tener la experiencia de un presente compartido.

En el marco de la exposición Islas Nuevas, TanjaBaudoin, Maricruz Alarcón y CassandraGuan conducirán un workshop que abordará en tres sesiones las ideas de relato, investigación y colaboración como fuerzas generativas y experimentales presentes en la práctica artística. La discusión estará orientada pero no limitada a artistas que trabajen con imagen movimiento, performance y/o sonido.

La primera sesión, a cargo de la curadora TanjaBaudoin, observará la relación recíproca entre producción creativa y cómo hablamos sobre, alrededor y desde ésta. La segunda sesión, conducida por la artista Maricruz Alarcón, explorará la producción artística como instancia de estudio, construcción, apropiación y colectivización de conocimiento. La última sesión con la artista CassandraGuan mapeará métodos de colaboración a través del análisis de diferentes modelos históricos, y discutirá colectivamente la aplicación potencial de estas estrategias en las prácticas individuales de cada participante. Las sesiones de trabajo serán documentadas y pasarán a formar parte del archivo del proyecto Islas Nuevas.

La invitación a participar de este workshop está abierta a estudiantes de posgrado y pregrado (3 y 4 año) de la Facultad de Artes UC. Las sesiones se realizarán los días 9 y 23 de mayo y 6 de junio. Para participar, envía tres imágenes y un párrafo de no más de 200 palabras describiendo tu interés en cualquiera de estas tres ideas al correo Esta dirección de correo electrónico está siendo protegida contra los robots de spam. Necesita tener JavaScript habilitado para poder verlo. hasta el jueves 5 de mayo. Los seleccionados serán notificados el día viernes 6.

Programa de exhibición

Del 3 al 31 mayo

KatarinaZdjelarUntitled (A Song), 2015, 11’
Buenos Tiempos, Int. A Walk with Dorothée Dupuis and Jessica GyselAround the Chinese Pavilion and the Japanese Tower in Brussels, 2015, 6’
Redmond EntwistleMonuments, 2010, 25’
Sophie NysParque do Flamengo, 2012, 45'
AdelitaHusni-Bey2265, 2015, 18’
Daniel Jacoby Jagata, 2016, 22’

Del 1 al 28 junio

Pauline Boudry and Renate Lorenz Charming for the Revolution, 2009, 11’
Alex Martinis Roe A story from Circolodellarosa, 2014, 8’
Emma HedditchA Pattern, 2014, 33’
Cecilia Vicuña Semiya / Seed Song 2015, 8’
Cassandra Guan Women in the Edge of Time, 2015, 35’
Claudia del Fierro Vida Salvaje, 2009, 10’

Agradecimientos especiales a Auguste Orts and Ellen de BruijneProjects.


Del 3 al 30 de mayo

Katarina Zdjelar Untitled (A Song) | HD, 2016, 11 minutos

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En sus observaciones de una banda descansando o tocando, Zdjelar captura la inactividad, la libertad para habitar un espacio atemporal como una condición necesaria para crear —que es más que sólo producir. A través de la suspensión temporaria de la producción, en este juguetón zumbido de posibilidades, Untitled (A Song) arrulla gentilmente a sus espectadores fuera del tiempo, lejos del conflicto de la espera, para sentir el valor del momento de la espera misma.

Buenos Tiempos, Int. A Walk with Dorothée Dupuis and Jessica Gysel Around the Chinese Pavilion and the Japanese Tower in Brussels | HD, 2015, 6 minutos

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A Walk with Dorothée Dupuis and Jessica Gysel Around the Chinese Pavilion and the Japanese Tower in Brussels introduce a dos editoras de revistas de arte feministas Dupuis (Petunia) y Gysel (Girls Like Us) conversando y paseando alrededor del Laeken Park en Bruselas. El parque alberga dos construcciones significativas diseñadas por el arquitecto francés Alexandre Marcel y erigidas bajo el reinado de Leopoldo II. La Torre Japonesa (1905) y el Pabellón Chino (1910) son ilustraciones del Orientalismo del fin de siglo y del imperialismo cultural.

Redmond Entwistle Monuments | 16 mm, 2010, 25 minutos

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Los artistas Robert Smithson y Gordon Matta Clark son resucitados de entre los muertos y expulsados desde sus improvisados mausoleos en Nueva York por las fuerzas de la reurbanización. Guiados a través de Nueva Jersey por un joven Dan Graham, debaten sus posiciones artísticas con los no-actores que encuentran en los sitios de sus obras en Nueva Jersey. Lo que a primera vista parece ser un film acerca de la historia del arte, se convierte en un retrato de las áreas de Nueva Jersey que una vez fueron el cinturón industrial de Nueva York, y en un segundo relato que emerge de la caída de la industria en la región y la cambiante posición de Norteamérica dentro de una economía globalizada.

Sophie Nys Parque do Flamengo | HD video, 2012, 45 minutos

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Simultáneamente pintor, poeta y botánico, Burle Marx es conocido como uno de los más relevantes paisajistas del siglo veinte. Entre 1954 y 1959 diseñó el Parque do Flamengo, el protagonista de este semi-documental de Sophie Nys. Un paneo sin cortes cruza a paso lento el espacio del parque, siguiendo sus líneas curvas y sensuales como un paseo. Parque do Flamengo es el retrato físico y formal de este lugar, el registro de un espacio vivo entre la cultura y la naturaleza. A pedido de la artista, el músico Arto Lindsay concibió una banda sonora original para el filme, usando la lista de plantas que se encuentran en el parque como punto de partida para la composición.

Adelita Husni-Bey 2265 | HD, 2015, 18 minutos

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Cuéntame sobre tus manos / Cuéntame sobre qué pasa cuando tienes hambre / ¿Hace cuánto tiempo que la Guerra Perpetua terminó? ¿Terminó? / Enséñame cómo decir te amo con esta tecnología / ¿Cómo ‘conoce’ esta sociedad? / ¿Dónde se guardan las cosas que se ‘conocen’? son las preguntas que estructuraron el taller que produjo Adelita Husni-Bey en colaboración con Authoring Action, un grupo de autores adolescentes comandados por el escritor Nathan Ross Freeman. A través de ejercicios de escritura y prácticas pedagógicas experimentales, los miembros del colectivo exploraron futuros capitalistas colonialistas y el prospecto de poblar Marte. 2265 registra esta experiencia; un de aquí para allá surrealista a través de desiertos y paisajes venenosos, la promesa de una sociabilidad digital a través de modificación genética, una ‘guerra perpetua’, los modos en que entendemos la oposición entre deshabitado y vacío, y el linaje socio-histórico de estos conceptos desde 'el comienzo' hasta el año 2265.

Daniel Jacoby Jagata | HD, 2016, 22 minutos

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En algún lugar en el medio de Hokkaido vive un hombre inexplicablemente ligado a una papa. No queriendo ser encontrado pero al mismo tiempo anhelando aproximarse, la enigmática historia de su cercanía con el tubérculo es contada a través de unas pocas cartas que decide enviar sin destinatario. Jagata captura momentos del viaje que realizó Daniel Jacoby a la isla más septentrional de Japón en busca de este hombre aislado. Imágenes de otros paisajes, situaciones y objetos que el artista encuentra a su paso adquieren un aura de otro mundo cuando son presentadas en el contexto del hombre-papa.

Del 1 al 28 de Junio

Pauline Boudry and Renate Lorenz Charming for the Revolution | 16mm/DVD, 2009, 11 minutos

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“Filmar es encantador, pero todavía es un trabajo. El trabajo de comprometerse en demandar lo que ya debería ser nuestro”. Con un guiño a Jack Smith, el cineasta y performer de la escena under de Nueva York de los ‘60s a los ‘80, así como a la historia de llamados queer y feministas como Wages for housework!, Charming for the Revolution recrea la dueña de casa como una figura ambigua con un futuro abierto. Otras referencias adicionales abarcan desde el devenir-animal de Deleuze y Guattari, el Dandy decimonónico que, tal como lo describe Walter Benjamin, paseaba tortugas con correa por protestar en contra del pulso del reloj de la industrialización, hasta la irónica crítica del capitalismo que realiza Pier Paolo Pasolini en Ucellaci e Ucellini.

Alex Martinis Roe A story from Circolo della rosa | HD, 2014, 8 minutos

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A story from Circolo della rosa traza el relato de dos historiadoras experimentales que comenzaron a colaborar en ejercicios pedagógicos feministas a fines de los '80 y del concepto de affidamento: la relación de confianza recíproca entre dos mujeres adultas, practicada y teorizada por el colectivo de Libreria delle Donne di Milano. Esta práctica de reconocimiento implica un compromiso de la una a la otra, otorgándose autoridad mutuamente en sus prácticas políticas, reconociendo sus deseos, competencias y diferencias. El filme explora esta práctica de vida como un modo de narrar las relaciones políticas de la propia artista, y como un modo de imaginar futuros feministas localizados en redes y afiliaciones a través de distintos tiempos y espacios. Parte del material de archivo es cortesía de Laura Minguzzi and Marirì Martinengo y la Libreria delle Donne di Milano.

Emma Hedditch A Pattern | HD, 2014, 33 minutos

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A Pattern es un video ensayo hecho desde una configuración de notas, videos e imágenes que exploran la construcción de las partes de un lugar de Manhattan —The Garment District, entre la calle 42 y Times Square. Es un deseo por presencia, una alocución legítima, si nada más que su propia producción.

Cecilia Vicuña Semiya / Seed Song | HD, 2015, 7 minutos

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“En 1971 propuse a Salvador Allende celebrar un día de la semilla: recoger y plantar semillas. Convertir terrazas y techos en jardines, plazas y parques en bosques y chacras, las ciudades y campos en un vergel. Allende se rió y dijo pensativo: 'quizás para el año dos mil.' Por mi cuenta yo recogía semillas y hacía almácigos diminutos. Cuando los árboles alcanzaban varios centímetros los regalaba.” Semiya / Seed Song es una iteración del proyecto "Semiya" exhibido en Galería Gabriela Mistral el año 2000, que recreó el proyecto de recolección y plantación de semillas iniciado por Cecilia Vicuña en 1971. El filme la registra reuniendo semillas nativas en la precordillera andina, cantando en su lenguaje semi yo.

Cassandra Guan Women on the Edge of Time | SD, 2015, 35 minutos

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Un poético filme ensayo acerca del deseo lésbico en la revolución china —una historia subterránea refractada a través del lente material del cine. A partir de found footage tanto de la época republicana como socialista, el filme apunta tentadoramente al espacio de homoeroticismo que fue dejado abierto a las mujeres chinas, en el marco de los relatos oficiales de modernidad y revolución. Sin condena o nostalgia, Women on the Edge of Time pide a su espectador tardarse un poco en la promesa de utopía, lo suficiente para atrapar un sesgo de aquellos sujetos que se extraviaron en la sombra del camino recto y angosto de la marcha revolucionaria.

Claudia del Fierro Wildlife / Vida Salvaje | HD, 2008-2009, 10 minutos

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Wildlife/ Vida Salvaje fue un proyecto realizado en Suecia a partir del encuentro con Jennie, una joven mujer hipersensible a las radiaciones y microondas que necesita vivir lejos de la ciudad y de la tecnología. Jennie ha encontrado otra forma de vivir, y su relato da a conocer otras personas que también se han alejado de la ciudad por distintos motivos, quienes amablemente invitan a entrar en su hábitat. Wildlife/ Vida Salvaje es parte de una “etnografía”; entrevistas, notas, dibujos y conversaciones que giran en torno a temas de política, ecología y comunidad. El video combina el registro documental con los integrantes de la comunidad del bosque y la reinterpretación de sus discursos a través de un ejercicio teatral realizado con niñas.


Bios

Claudia del Fierro trabaja en una variedad de medios, incluyendo video, fotografía e instalación. Sus proyectos utilizan la observación, acción y las prácticas performativas para señalar o reconstruir situaciones, por medio de etnografías personales. Uno de los intereses que atraviesan su obra es la relación entre comunidad y su entorno, a menudo realizando proyectos que especulan con la participación. Las prácticas performativas en intervenciones en el dominio público y films son consideradas por la artista como una forma de activismo silencioso. Del Fierro ha desarrollado su obra entre Sudamérica y Escandinavia. Ha participado en la Bienal Mercosur, La Habana y numerosas exposiciones individuales y colectivas en Europa y Latinoamérica.

Buenos Tiempos, Int. es un espacio de exhibición online interesado temáticamente en “la mariconería como lo es hoy en día” y una iniciativa de producción colaborativa enfocada en el “poder del travestismo”. Sus producciones, en colaboración con otros artistas y técnicos, han sido exhibidas en Petunia magazine; en La Loge, Bruselas; en colaboración con Terremotomagazine para El Almacén, Ciudad de México; y en colaboración con Torpedo Press en el Kunstnernes Hus, Oslo. Exposiciones online recientes incluyen la obra de Steev Lemercier, Vava Dudu, Juliana Huxtable, Geo Wyeth, y CAConrad. Alberto García del Castillo y Marnie Slater fundaron Buenos Tiempos, Int. en 2014.

Adelita Husni-Bey pone en escena talleres, seminarios, publicaciones, programas de radio, archivos y exhibiciones centradas en la utilización de pedagogías radicales en el contexto de estudios urbanos. El año 2014 trabajó con juristas, activistas, abogados y okupas en la redacción de la “Convención para el Uso del Espacio”, documento jurídico público acerca de los usos del espacio urbano y la propiedad colectiva. Entre sus exposiciones individuales se incluyen Movement Break, en Kadist foundation, Il Principe, la Classe e lo Stato, en Galleria Laveronica, White Paper: The Land en Beirut, y Playing Truant en Gasworks. Ha participado en muestras colectivas en High Line, Museo Reina Sofía, MAXXI Museum, Hordeland Kunstsenter, MuKHa, Flattime House, S.M.A.K museum, y Bregenz Kunstverein. Participó en el Whitney Independent Study Program y actualmente trabaja en el tercer capítulo de White Paper, un proyecto basado en la cambiante legislación de la propiedad privada y colectiva en los espacios urbanos.

Daniel Jacoby se graduó en Bellas Artes de la Universidad de Barcelona y prosiguió estudios en Städelschule en Frankfurt. Su obra ha sido exhibida individual y colectivamente en el EYE Film Institute, Amsterdam; Sabot, Cluj-Napoca; The Banff Centre, Alberta; Kunsthal Chalottenborg, Copenhagen; Galerie Antoine Levi y Palais de Tokyo, París, Maisterravalbuena Galería, Madrid; Kunstverein Harburger Bahnhof, Hamburgo; Plataforma Revolver, Lisboa; SESC Videobrasil, Sao Paulo; 1646, La Haya; Trafó, Budapest; S1 Artspace, Sheffield; y la 11ª Bienal de Cuenca. Sus filmes se han mostrado en los festivales Go Short, Sheffield Fringe, Lima Independiente, Videobrasil, and Les Rencontres Internationales. Ha participado en residencias en la Jan van Eyck Academie, Sasso, Casino Luxembourg y Tokyo Wonder Site, entre otras.

Los filmes de Redmond Entwistle se esfuerzan por pensar la historia reciente, sus lugares y problemáticas sociales; repitiendo, reconstruyendo y reproduciendo materiales en una realidad abstracta y arquetípica. En 2014 fue nominado para el Jarman Award; sus filmes han sido incluidos en Assembly, en Tate Britain así como en focos de BAFICI y Hors Pistes; y exhibidos individualmente en el MIT List Visual Arts Center. Ha participado, también, en exhibiciones colectivas e individuales y proyecciones en museos y festivales de cine, incluyendo Rotterdam Film Festival, South London Gallery, Synagogue de Delme, Beirut Gallery, Flaherty Film Seminar, Walker Art Center, PS1 MOMA, ICA London, Viennale, Migrating Forms, Anthology Film Archives, FID Marseilles, y Whitechapel Art Gallery. Actualmente trabaja en su primer largometraje Decoys (Lockvögel) y es uno de los cuatro directores que participan en el programa New Approaches del Film London Festival.

Pauline Boudry y Renate Lorenz han trabajado en colaboración en Berlín desde el año 2007. Sus puestas en escena e instalaciones cinematográficas a menudo se originan con una canción, una imagen, una película o un guión del pasado. Producen performances para la cámara, organizando las acciones de individuos y grupos que viven, y que, de hecho, prosperan desafiando la normalidad, la economía y la ley. Sus filmes alteran narrativas históricas normativas, proyectando, escenificando y superponiendo figuras a través del tiempo. Los interpretan coreógrafos, artistas y músicos con quienes han mantenido un diálogo continuo acerca de la performance, la patologización de los cuerpos y el significado de la visibilidad desde la modernidad temprana; también sobre el glamour y la resistencia. Exhibiciones individuales recientes han incluido Portrait of an Eye, Kunsthalle Zürich; Loving, Repeating, Kunsthalle Viena; Patriarchal Poetry, Badischer Kunstverein; Aftershow, CAPC, Burdeos; Toxic Play in Two Acts, South London Gallery y Contagieux! Rapports contre la normalité, Centre d’Art Contemporain, Geneva.

Sophie Nys estudió en Sint-Lukas Ghent y completó estudios de posgrado en la Jan van Eyck Academie en Maastricht. Combinando estrategias minimalistas y conceptuales con límites lógicos y formales, su obra explota la más amplia libertad artística posible dentro del medio de producción contemporánea. Lejos de ser ligero, su trabajo mantiene la elocuencia al reflexionar poéticamente sobre temas que derivan de lo cotidiano. Sus filmes han sido exhibidos en el Short Film Festival Detmold, FIDMarseille, BOZAR, e-flux, International Film Festival Rotterdam, Argos y Courtisane festival, entre otros.

La práctica de Katarina Zdjelar consiste en hacer piezas de vídeo, piezas sonoras, proyectos de libros y la creación de diferentes plataformas para la construcción del conocimiento y su intercambio. Su trabajo explora las nociones de identidad, autoridad y comunidad y giran en torno a personas que se vieron desafiadas a habitar de forma simultánea diferentes idiomas, y realizarse a ellos mismos a través de la práctica, el recuerdo o reinventarse a sí mismos. Zdjelar nació en Belgrado y actualmente reside en Rotterdam.

Alex Martinis Roe vive y trabaja en Berlín desde el 2009. Sus proyectos actuales tienen un foco en la genealogías feministas y buscan promover relaciones específicas de producción entre diferentes generaciones, como una manera de participación en la construcción de historias y futuros feministas. Envuelve desarrollar de metodologías de investigación sobre narración, experimentar con los dispositivos de encuentros discursivos, e imaginar cómo estas tramas pueden informar nuevas prácticas políticas. Además del proyecto de investigación To Become Two, colabora con la teórica Melanie Sehgal y el grupo de investigación FORMATIONS en el marco de Haus der Kulturen der Welt.

Cassandra Guan es una cineasta y escritora residente en Nueva York que trabaja en la intersección de medios, feminismo y políticas utópicas. Sus proyectos en cine y otros medios han sido exhibidos en el Louisiana Museum of Modern Art, International Film Festival Rotterdam, Copenhagen International Documentary Film Festival, Lisbon International Independent Film Festival, Athens Avant Garde Film Festival, y Asterisco Festival Internacional de Cine en Buenos Aires, entre otros. Guan nació en Beijing y se trasladó a vivir en Estados Unidos en 1999. Completó sus estudios de pregrado en The Cooper Union, y luego participó en el Whitney Museum Independent Study Program. Actualmente es candidata a Ph.D. en el departamento de Modern Culture and Media de la Universidad de Brown.

Cecilia Vicuña es una poeta y artista chilena de larga trayectoria internacional. Su trabajo se construye en torno a "lo precario", una poética espacial realizada en la naturaleza, calles y museos. "Lo precario" es un poema, una imagen o una línea que se transforma en un film, un canto, o un performance colectivo. Su trabajo ha sido exhibido en ICA London, The Whitechapel Art Gallery, el Museo Nacional de Bellas Artes de Santiago, Art Gallery of Western Australia, ICA Boston, The Whitney Museum of American Art y en el MoMA. Su obra poética ha sido traducida a varios idiomas, y entre sus títulos más recientes se encuentran Kuntur Ko, El Zen Surado, Chanccani Quipu, Sabor A Mí, Palabrarmas, I tu, y Instan.

Emma Hedditch es una artista y escritora que reside en Nueva York. Su obra se enfoca en la práctica cotidiana, materialidad y distribución de recursos y conocimientos como acción política. Trabaja a menudo en colaboración con otros artistas y grupos como The Copenhagen Free University y la distribuidora feminista de cine y video Cinenova. Fuertemente influenciada por prácticas conceptuales, políticas anticapitalistas y feministas, su trabajo toma tanto la forma de performances, videos producidos colectivamente y fanzines, así como de talleres, proyecciones cinematográficas y eventos.

El trabajo de Maricruz Alarcón se inspira en estructuras narrativas que provienen del cine documental o la literatura, y busca comprender cómo los discursos históricos se reproducen y afirman constantemente a través de éstas. Completó sus estudios de posgrado en Parsons The New School for Design, participó en el Whitney Independent Study Program y en 2015 fue residente del programa CAPACETE. Su trabajo ha sido incluido en muestras colectivas e individuales en Galería Die ecke, Galería Bech, Balmaceda 1215, MAC Quinta Normal y Centro Cultural Palacio la Moneda, Santiago; Museo de la Ene, Buenos Aires; On The Ground Floor Gallery, Los Angeles; Imperfect Gallery, Philadelphia y The Kitchen, TEMP Space y Cuatro H, Nueva York.

Tanja Baudoin vive y trabaja en Río de Janeiro desde su participación en el programa CAPACETE el año 2015. Hasta el año pasado trabajó como curadora en If I Can't Dance, I Don't Want To Be Part Of Your Revolution en Amsterdam, coordinando proyectos comisionados y educativos, produciendo publicaciones y desarrollando proyectos en el programa de Performance en Residencia. Se graduó en Historia del Arte en la Universidad de Amsterdam, y actualmente edita, en colaboración con Jonas Delaborde, una serie de entrevistas con ex-residentes del programa CAPACETE, acerca de metodologías artísticas y técnicas de producción de obra.